El Piloto Automático

Así, sí.

Woody Allen regresa después de años descalabrando su filmografía con errores como El sueño de Casandra, agridulces entremeses como Conocerás al hombre de tus sueños, o la pura prostitución de su sello en Vicky, Cristina, Barcelona. En los estertores de su etapa europea, Medianoche en París cierra el tríptico en tres batidas dedicado al Viejo Continente que ya iniciara con la sublime Match Point. Y de hecho, el broche de esta última película sirve para completar un círculo más que irregular.

En Medianoche en París hace lo que mejor sabe hacer: puro exhibicionismo. Allen se abre el batín y muestra al espectador su desnudo más cándido y amable, aunque sincero y mitómano. Muy mitómano. Y en la tradición de La rosa púrpura del Cairo, provoca una avería en la realidad para guisar un menú elaborado con comedia, romanticismo e, incluso, unas briznas de género fantástico, que sirven para reencontrarse, a través de su necesario alter ego, con algunos de los referentes inexcusables de su mundo interior.

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Wes Craven chochea. Y Kevin Williamson no tiene reparos en aprovecharse de esta vieja gloria. Y decir gloria es casi pitorreo. Como la otrora estrella del rock que lanza un Greatest Hits, esta película, Scream 4, es la confirmación del estéril músculo creativo de director y guionista.

Tal es así que desde el exasperante prólogo de la película, reincidiendo en el truco para principiantes de autorreferenciarse en una muy cansina espiral de metalenguaje, la reactivación de esta saga para adolescentes deja clara una cosa: estamos ante un film para lerdos con ínfulas intelectualoides. A imagen y semejanza de Kevin Williamson.

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Desde la machacona premisa de que no aprovechamos el 100% de nuestro potencial cerebral (por algo será, dicho de paso), Sin límites propone el relato agridulce de un tipo que desde las alcantarillas de la mediocridad alcanza el Monte Olimpo de la excelencia. Edward Morra es un escritor que no escribe. Un tipo con potencial desperdiciado que, a punto de arrojarse al abismo (su novia le deja, le acosan las deudas, le devora el caos), es rescatado por un pastillita que le abre las puertas de la percepción.

A partir de ese momento, Morra se convierte en puro sentido arácnido. Desarrolla una serie de superpoderes que le convierten en una especie de Sherlock Holmes de la era digital, cuyo único misterio por desentrañar es cómo mejorará su vida en el siguiente peldaño. Su mente se hace hipersensible, cifrando su cociente intelectual en un número de cuatro cifras, como él mismo reconoce en un prólogo que confirma lo que veremos durante el resto del metraje: lo que hubiese sido El Club de la Lucha si sustituyésemos al carismático Tyler Durden por un no menos magnético Gordon Gecko hasta el culo de focusín.

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Poco invento hay en esto de ser invadidos por alienígenas. Con notables excepciones, en las que los extraterrestres son más de naturaleza terráquea que sideral, la producción de una peli que escenifique el asedio de naves del espacio exterior va aparejada a una sola cosa: fabricar dólares en forma de entradas y palomitas.

Esta mal llamada Invasión a la Tierra no es para menos. Originalmente titulada Batalla en Los Ángeles (mucho más preciso, dado en lo que acaba deviniendo la cinta), estamos ante una historia más cercana al cine bélico que a la ciencia-ficción. Hay pocas pelas para tanto espectáculo, de modo que la acción se traslada a dos campos de batalla: una ruinosa ciudad de Los Ángeles, con decorados formados, básicamente, por piedra humeante, y la atormentada conciencia de un sargento de Marines que elige un mal día para presentar su dimisión.

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Tengo debilidad por el subgénero de exorcismos. Y ya ves tú qué cosa. Las buenas referencias en este campo son tan escasas como anecdóticas (con El Exorcista a la cabeza, la gran película de William Friedkin que acabó por desvirtuarse a fuerza de bromas y charangas radiofónicas). No obstante, al igual que la mayoría de los protagonistas de estos films, siempre ando sobre la delgada hoja de la navaja, ante la fe de que la siguiente peli que vea, será otra gran película. Y siempre me equivoco.

Con El Rito estaba en la expectativa de que sería esa excepción que confirmase la regla. Una película con buena factura y madurez que contase una buena historia. Pero nada de eso. Parece que guionistas y directores no tienen intención de darle una vuelta de tuerca al subgénero, y en esta obra, el tema vuelve a ser la crisis de fe, manifestada sobre el eje del escepticismo. Eso, y situaciones programadas que poco convencen a quien busque algo de naturalidad en el devenir de los acontecimientos a los que asistimos durante casi un par de horas.

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Recuerda que sólo eres un hombre

Jorge VI, Rey de Inglaterra, nunca necesitó un esclavo que sostuviese su corona de laurel. Para eso, tenía a Lionel Logue, un actor fracasado a quien el dolor de la I Guerra Mundial moldeó para transformar en un logopeda sin titulación. La escena del Triunfo Romano, en la que el siervo del César le recordaba su naturaleza terrenal, pese a las glorias divinas que caían sobre los hombros del exhultante Comandante de las Huestes de Roma, es la máxima que esta película, El discurso del Rey, toma como tema recurrente.

Para ello, adopta un elegante tono de cinismo inglés que su director, Tom Hooper, ya escupió a raudales en la anterior Damned United. Antes de ser Jorge VI, el Duque de York era conocido en su familia como Bertie, y llegó a alcanzar el trono arrastrando una esperpéntica tartamudez. Esta situación le empujó a reclamar los servicios de los más reputados profesionales en el campo del habla. Pero, fracaso tras fracaso, y ante la imperiosa necesidad de cubrir las espaldas del negligente heredero que acabaría siendo su hermano mayor, la frustración de Bertie acabó por toparse con la testarudez de un plebeyo que sentía más respeto por su oficio que por una corona: el propio Lionel.

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Renovarse o morir

O exorcizarse. No queda otra. El subgénero de exorcismos no da para mucho. Demonio conoce a chica (¿por qué hay tan pocos posesos en el cine, a parte de la herética aportación de Alex de la Iglesia en El día de la bestia?), chica es poseída por demonio, demonio la lía parda en los adentros de la chica, chica monta un cirio de cuidado, exorcista se enfrenta a sus demonios, chica se libera. O no.

En esta ocasión, Julio Fernández, que valientemente se ha atrevido a crear una marca de cine español de terror (con buen tufillo de importación), produce un filme que, siguiendo su producción habitual, se la juega al filo de la navaja, ante el precipicio por el que se pasea sin miedo a caer en el más absoluto de los ridículos. Y vuelve a salir victorioso. Aunque no haya firmado una película que vaya a permanecer en la memoria de los espectadores.

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Por y para Jolie

Así se resume El Turista. Poco más de una hora y media de suficiencia y vergüenza ajena. La máxima responsabilidad del éxito o fracaso de esta película cae sobre los huesudos hombros de esta señora cargadita de confianza en sí misma.

A pesar del aval que garantizaba la presencia de Florian Henckel-Donnersmarck como director de El Turista, todo quedó en un espejismo. Su primer trabajo americano (segundo de su carrera, recordemos) se ha quedado en una pirotecnia de pólvora mojada. Como un regalo con mejor envoltorio que chicha.

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Huracán de la Iglesia

Álex de la Iglesia es el pata negra del cine español. En fondo y forma. Ríase usted de los Amenábar, Almodóvar, Bayonas y demás franquiciados en el mercado exterior. Álex es nuestro Álex. Auténtico, fiel y desbocado. Pese al puntual escarceo con el cine de consumo (Los crímenes de Oxford), Álex de la Iglesia ha sabido hacer su cine. El suyo. El de todos.

En Balada triste de trompeta hace un cine tan hermético por el contenido como universal por lo simbólico. Los dientes del engranaje de esta máquina salvaje y bestial se componen del anecdotario histórico de este país esquizofrénico que es España. Pero la forma en este juglar de la imagen cuenta su historia podría ser admirada de un modo profundo por cualquier espectador ajeno a la historia reciente del país. E incluso, sin dominar la lengua (aunque se perdería alguna de las joyas más corrosivas que se han visto en una pantalla).

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Ben Stiller

El cliché del artista judío que por narices (nunca mejor dicho) debe ser gracioso. Lo es, no me entiendas mal. Zoolander es un vademécum del humor mainstream contemporáneo. Pero esa perrilla suya de aunar humor grotesco con el mundo de la familia, personalmente, me parece vomitiva.

La primera entrega de esta franquicia tenía su punto. Frescura y mala leche. Buenos compañeros para el aburrido humor de masas hollywoodiense. La segunda apostó por el morbo de apretar las tuercas a la fórmula poniendo en duda la testiculocracia de la premisa inicial (el patriarcado de la familia occidental como conflicto cómico), y aún flaqueando, salió magullada aunque victoriosa. Pero lo de esta tercera parte no es sino el botezo final que desencaja la mandíbula de cualquiera que encuentre más estimulante pasarse una tarde buscando caras de Bélmez en una pared de gotelé.

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