El Piloto Automático

“¡Qué fea! ¡No vuelvo a elegir yo la película!”. Una espectadora de mediana edad salía escopetada hacia la puerta en cuando comenzaron los créditos finales de Shame. Tras ella, el que parecía ser su pareja, siguiéndola a una distancia que no podía cubrir si no se marcaba una carrerita. Eché un vistazo alrededor, y aunque no había tanta asqueada pasión en el resto de parroquianos de la sala, no faltaban expresiones de desagrado en señal de balance ante lo que acababan de presenciar. No es para menos.

Shame es una película incómoda. Qué coño: es una patada en los huevos. Y la forma en que muchos de los allí reunidos nos lamíamos la entrepierna tras el puntapié inflingido es razón más que suficiente para decir a boca llena que la última película de Steve McQueen es, de acuerdo a sus intenciones, perfecta.

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¿Almodóvar sí o Almodóvar no?

Esta es la primera pregunta a la que hay que enfrentarse con esta peli. Ya no sólo para valorarla, sino incluso para entrar en la sala a verla. El prejuicio sobre el director manchego es inevitable, así que la forma en que lo afrontamos determina, y no sabes hasta qué punto, la opinión que acabamos diseñando al terminar de ver La piel que habito. En mi caso, seré sincero, es un prejuicio positivo. Creo que Almodóvar es uno de los referentes de nuestro cine, un tipo con un mundo personal muy rico en lo visual y en el diseño de laberintos morales, levantados sobre un tono propio que sólo encontramos repetido en narradores formados al arrojo de la sombra que desprende el director de Átame.

Partiendo de esta base, desde que marcó una gruesa línea de madurez como narrador y como arquitecto de imágenes en Todo sobre mi madre nunca me he topado con una peli de Almodóvar que no me haya dejado un buen sabor de boca en una valoración global. Hasta que ha tratado de hacer su propio tour de force lanzándose a una piscina de brea con esta La piel que habito. El resultado es un Almodóvar oleginoso, embadurnado de pringue de pies a cabeza y preocupantemente inflamable.

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Ingenuidad

Cuando se echa un vistazo al cine de género que se ha hecho en los últimos 40 años, uno de los puntos que más llama la atención de los cinéfagos es la sofisticación progresiva que han ido adoptando las pelis en cuanto al tono. Se hace cine para espectadores cada vez más listos (listillos, mejor dicho). Resulta difícil, cuando no imposible, dársela con queso a una platea que tiene referencias casi directas de cualquier cosa en esa Larrousse 2.0 que es la Wikipedia.

Ahí yace uno de los logros de Super 8. La peli hecha al alimón por J.J. Abrams y Steven Spielberg (más tarde explicaré porqué creo que está hecha al alimón) apela a la ingenuidad que empezó a desaparecer durante la segunda mitad de los años ochenta, en pleno cénit de cinefilia palomitera. Precisamente, esa ingenuidad, esa inocencia en el fondo y en la forma de este entrañable y a ratos siniestro cuento de ciencia-ficción, es vital para poder disfrutar lo que se cuenta durante casi dos horas.

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Un vistazo atrás

Una vez más, nos topamos con el modelo de superhéroe-de-turno begins, una fórmula que Christopher Nolan aplicó con gran éxito en su génesis de Batman y que ha servido de recurrencia para otros justicieros enmascarados. Ante la agitada necesidad de la reciente Marvel Studios de exponer en el escaparate de celuloide a su cuadrilla de Vengadores (una suerte de Globetrotters en la lucha contra el mal), son varias las pelis que estudian con más o menos fortuna la creación de cada uno de los mitos que componen ese Dream Team de superhéroes que se iniciara, precisamente, con este Capitán América.

Para explorar la transformación de hombre en héroe en Capitán América, desde el estudio heredero de la mítica editorial de tebeos han optado por Joe Johnston, un artesano del cine de aventuras que en esta cinta opta por un acertadísimo enfoque para este superhéroe gestado desde la propaganda de guerra.

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Un momento irrepetible

Una casualidad es casual, pero no por ello menos especial. Ni menos necesaria. Una porción única y exclusiva de existencia que se pierde, y de la que sólo perdura la estela, el surco en la arena, de quien pudo verla, sentirla, vivirla y saborear el agridulce néctar que emanó de esa herida en la realidad, justo antes de empezar a cicatrizar.

Casualidad es el nombre que no se escribe en esta película, Un cuento chino. Una fábula multicultural que sobrevive dentro y fuera de su propio mundo en un oasis que se resiste a la modernidad, la tecnología y el vertiginoso mundo que le rodea. Como le ocurre a su propio protagonista, Roberto. Ese ermitaño, anacoreta y cascarrabias que regenta una ferretería; meticuloso, rutinario, gris y nostálgico. Un cazador de momentos imposibles, de ironías perversas. De chistes helados contados por la providencia. Un tipo normal y corriente. Solo y solitario. Flagelado por su propia melancolía. Un observador lejano de casualidades que acaba siendo el centro sobre el que pivote una: un muchacho chino que, por obra y milagro de una carambola del destino, acaba con sus huesos instalados en la vida monótona de este ferretero.

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Así, sí.

Woody Allen regresa después de años descalabrando su filmografía con errores como El sueño de Casandra, agridulces entremeses como Conocerás al hombre de tus sueños, o la pura prostitución de su sello en Vicky, Cristina, Barcelona. En los estertores de su etapa europea, Medianoche en París cierra el tríptico en tres batidas dedicado al Viejo Continente que ya iniciara con la sublime Match Point. Y de hecho, el broche de esta última película sirve para completar un círculo más que irregular.

En Medianoche en París hace lo que mejor sabe hacer: puro exhibicionismo. Allen se abre el batín y muestra al espectador su desnudo más cándido y amable, aunque sincero y mitómano. Muy mitómano. Y en la tradición de La rosa púrpura del Cairo, provoca una avería en la realidad para guisar un menú elaborado con comedia, romanticismo e, incluso, unas briznas de género fantástico, que sirven para reencontrarse, a través de su necesario alter ego, con algunos de los referentes inexcusables de su mundo interior.

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Wes Craven chochea. Y Kevin Williamson no tiene reparos en aprovecharse de esta vieja gloria. Y decir gloria es casi pitorreo. Como la otrora estrella del rock que lanza un Greatest Hits, esta película, Scream 4, es la confirmación del estéril músculo creativo de director y guionista.

Tal es así que desde el exasperante prólogo de la película, reincidiendo en el truco para principiantes de autorreferenciarse en una muy cansina espiral de metalenguaje, la reactivación de esta saga para adolescentes deja clara una cosa: estamos ante un film para lerdos con ínfulas intelectualoides. A imagen y semejanza de Kevin Williamson.

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Desde la machacona premisa de que no aprovechamos el 100% de nuestro potencial cerebral (por algo será, dicho de paso), Sin límites propone el relato agridulce de un tipo que desde las alcantarillas de la mediocridad alcanza el Monte Olimpo de la excelencia. Edward Morra es un escritor que no escribe. Un tipo con potencial desperdiciado que, a punto de arrojarse al abismo (su novia le deja, le acosan las deudas, le devora el caos), es rescatado por un pastillita que le abre las puertas de la percepción.

A partir de ese momento, Morra se convierte en puro sentido arácnido. Desarrolla una serie de superpoderes que le convierten en una especie de Sherlock Holmes de la era digital, cuyo único misterio por desentrañar es cómo mejorará su vida en el siguiente peldaño. Su mente se hace hipersensible, cifrando su cociente intelectual en un número de cuatro cifras, como él mismo reconoce en un prólogo que confirma lo que veremos durante el resto del metraje: lo que hubiese sido El Club de la Lucha si sustituyésemos al carismático Tyler Durden por un no menos magnético Gordon Gecko hasta el culo de focusín.

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Poco invento hay en esto de ser invadidos por alienígenas. Con notables excepciones, en las que los extraterrestres son más de naturaleza terráquea que sideral, la producción de una peli que escenifique el asedio de naves del espacio exterior va aparejada a una sola cosa: fabricar dólares en forma de entradas y palomitas.

Esta mal llamada Invasión a la Tierra no es para menos. Originalmente titulada Batalla en Los Ángeles (mucho más preciso, dado en lo que acaba deviniendo la cinta), estamos ante una historia más cercana al cine bélico que a la ciencia-ficción. Hay pocas pelas para tanto espectáculo, de modo que la acción se traslada a dos campos de batalla: una ruinosa ciudad de Los Ángeles, con decorados formados, básicamente, por piedra humeante, y la atormentada conciencia de un sargento de Marines que elige un mal día para presentar su dimisión.

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Tengo debilidad por el subgénero de exorcismos. Y ya ves tú qué cosa. Las buenas referencias en este campo son tan escasas como anecdóticas (con El Exorcista a la cabeza, la gran película de William Friedkin que acabó por desvirtuarse a fuerza de bromas y charangas radiofónicas). No obstante, al igual que la mayoría de los protagonistas de estos films, siempre ando sobre la delgada hoja de la navaja, ante la fe de que la siguiente peli que vea, será otra gran película. Y siempre me equivoco.

Con El Rito estaba en la expectativa de que sería esa excepción que confirmase la regla. Una película con buena factura y madurez que contase una buena historia. Pero nada de eso. Parece que guionistas y directores no tienen intención de darle una vuelta de tuerca al subgénero, y en esta obra, el tema vuelve a ser la crisis de fe, manifestada sobre el eje del escepticismo. Eso, y situaciones programadas que poco convencen a quien busque algo de naturalidad en el devenir de los acontecimientos a los que asistimos durante casi un par de horas.

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