El Piloto Automático

El planeta Melancolía se estrella contra la Tierra, tras una macabra danza cósmica que acaba por hundir esta desconocida estrella azul en las entrañas de un planeta que se ha acomodado en rutinarios rituales “increíblemente triviales”, según asegura sorprendida Claire, el personaje que interpreta Charlotte Gainsbourg en lo último del danés Lars Von Trier.

Desde los primeros compases que constituyen un prólogo más estético que narrativo de esta película montada sobre dos actos, el polémico realizador pone las cartas sobre la mesa. No hay sorpresas en Melancolía. El fatum se presenta desde el inicio de la proyección, expuesto a través de una serie de postales que se muestran al modo de un poemario de lienzos vivientes, con referencias a John Everett Millais o a los primeros flamencos, como Pieter Brueghel. (más…)

¿Almodóvar sí o Almodóvar no?

Esta es la primera pregunta a la que hay que enfrentarse con esta peli. Ya no sólo para valorarla, sino incluso para entrar en la sala a verla. El prejuicio sobre el director manchego es inevitable, así que la forma en que lo afrontamos determina, y no sabes hasta qué punto, la opinión que acabamos diseñando al terminar de ver La piel que habito. En mi caso, seré sincero, es un prejuicio positivo. Creo que Almodóvar es uno de los referentes de nuestro cine, un tipo con un mundo personal muy rico en lo visual y en el diseño de laberintos morales, levantados sobre un tono propio que sólo encontramos repetido en narradores formados al arrojo de la sombra que desprende el director de Átame.

Partiendo de esta base, desde que marcó una gruesa línea de madurez como narrador y como arquitecto de imágenes en Todo sobre mi madre nunca me he topado con una peli de Almodóvar que no me haya dejado un buen sabor de boca en una valoración global. Hasta que ha tratado de hacer su propio tour de force lanzándose a una piscina de brea con esta La piel que habito. El resultado es un Almodóvar oleginoso, embadurnado de pringue de pies a cabeza y preocupantemente inflamable.

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Ingenuidad

Cuando se echa un vistazo al cine de género que se ha hecho en los últimos 40 años, uno de los puntos que más llama la atención de los cinéfagos es la sofisticación progresiva que han ido adoptando las pelis en cuanto al tono. Se hace cine para espectadores cada vez más listos (listillos, mejor dicho). Resulta difícil, cuando no imposible, dársela con queso a una platea que tiene referencias casi directas de cualquier cosa en esa Larrousse 2.0 que es la Wikipedia.

Ahí yace uno de los logros de Super 8. La peli hecha al alimón por J.J. Abrams y Steven Spielberg (más tarde explicaré porqué creo que está hecha al alimón) apela a la ingenuidad que empezó a desaparecer durante la segunda mitad de los años ochenta, en pleno cénit de cinefilia palomitera. Precisamente, esa ingenuidad, esa inocencia en el fondo y en la forma de este entrañable y a ratos siniestro cuento de ciencia-ficción, es vital para poder disfrutar lo que se cuenta durante casi dos horas.

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Thor. Hijo de Odín. Dios del Trueno. Aunque por obra y milagro de Kenneth Branagh, así como por la imperiosa necesidad de presentar a los personajes de la obra magna de la Marvel cinematográfica (Los Vengadores), la rubicunda deidad nórdica ha devenido en dios del truño. Al menos, en esta última versión en celuloide. Mucho se habló de la posible injerencia shakesperiana que podría imprimir el actor y director irlandés, aunque al final la supuesta carga dramática que iba a recibir esta historia ha quedado en agua de borrajas.

Muy por el contrario, este Thor ha acabado desinflándose en una suerte de pastiche a medio camino entre los Power Rangers y Master of the Universe (descuida: ambas en sus versiones para gran pantalla… que no sé si sirve como excusa), tanto en diseño de producción, historia y esquema argumental. Y por si fuera poco, toda esta ensalada acaba regada con el maltrecho aceite de un guión que consigue lo imposible: intérpretes de la talla de Anthony Hopkins, Natalie Portman o Stellan Skarsgard regalando a la platea algunos de los momentos más vergonzosos de sus lustrosas carreras.

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Wes Craven chochea. Y Kevin Williamson no tiene reparos en aprovecharse de esta vieja gloria. Y decir gloria es casi pitorreo. Como la otrora estrella del rock que lanza un Greatest Hits, esta película, Scream 4, es la confirmación del estéril músculo creativo de director y guionista.

Tal es así que desde el exasperante prólogo de la película, reincidiendo en el truco para principiantes de autorreferenciarse en una muy cansina espiral de metalenguaje, la reactivación de esta saga para adolescentes deja clara una cosa: estamos ante un film para lerdos con ínfulas intelectualoides. A imagen y semejanza de Kevin Williamson.

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Desde la machacona premisa de que no aprovechamos el 100% de nuestro potencial cerebral (por algo será, dicho de paso), Sin límites propone el relato agridulce de un tipo que desde las alcantarillas de la mediocridad alcanza el Monte Olimpo de la excelencia. Edward Morra es un escritor que no escribe. Un tipo con potencial desperdiciado que, a punto de arrojarse al abismo (su novia le deja, le acosan las deudas, le devora el caos), es rescatado por un pastillita que le abre las puertas de la percepción.

A partir de ese momento, Morra se convierte en puro sentido arácnido. Desarrolla una serie de superpoderes que le convierten en una especie de Sherlock Holmes de la era digital, cuyo único misterio por desentrañar es cómo mejorará su vida en el siguiente peldaño. Su mente se hace hipersensible, cifrando su cociente intelectual en un número de cuatro cifras, como él mismo reconoce en un prólogo que confirma lo que veremos durante el resto del metraje: lo que hubiese sido El Club de la Lucha si sustituyésemos al carismático Tyler Durden por un no menos magnético Gordon Gecko hasta el culo de focusín.

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Poco invento hay en esto de ser invadidos por alienígenas. Con notables excepciones, en las que los extraterrestres son más de naturaleza terráquea que sideral, la producción de una peli que escenifique el asedio de naves del espacio exterior va aparejada a una sola cosa: fabricar dólares en forma de entradas y palomitas.

Esta mal llamada Invasión a la Tierra no es para menos. Originalmente titulada Batalla en Los Ángeles (mucho más preciso, dado en lo que acaba deviniendo la cinta), estamos ante una historia más cercana al cine bélico que a la ciencia-ficción. Hay pocas pelas para tanto espectáculo, de modo que la acción se traslada a dos campos de batalla: una ruinosa ciudad de Los Ángeles, con decorados formados, básicamente, por piedra humeante, y la atormentada conciencia de un sargento de Marines que elige un mal día para presentar su dimisión.

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