El Piloto Automático

Un vistazo atrás

Una vez más, nos topamos con el modelo de superhéroe-de-turno begins, una fórmula que Christopher Nolan aplicó con gran éxito en su génesis de Batman y que ha servido de recurrencia para otros justicieros enmascarados. Ante la agitada necesidad de la reciente Marvel Studios de exponer en el escaparate de celuloide a su cuadrilla de Vengadores (una suerte de Globetrotters en la lucha contra el mal), son varias las pelis que estudian con más o menos fortuna la creación de cada uno de los mitos que componen ese Dream Team de superhéroes que se iniciara, precisamente, con este Capitán América.

Para explorar la transformación de hombre en héroe en Capitán América, desde el estudio heredero de la mítica editorial de tebeos han optado por Joe Johnston, un artesano del cine de aventuras que en esta cinta opta por un acertadísimo enfoque para este superhéroe gestado desde la propaganda de guerra.

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Un momento irrepetible

Una casualidad es casual, pero no por ello menos especial. Ni menos necesaria. Una porción única y exclusiva de existencia que se pierde, y de la que sólo perdura la estela, el surco en la arena, de quien pudo verla, sentirla, vivirla y saborear el agridulce néctar que emanó de esa herida en la realidad, justo antes de empezar a cicatrizar.

Casualidad es el nombre que no se escribe en esta película, Un cuento chino. Una fábula multicultural que sobrevive dentro y fuera de su propio mundo en un oasis que se resiste a la modernidad, la tecnología y el vertiginoso mundo que le rodea. Como le ocurre a su propio protagonista, Roberto. Ese ermitaño, anacoreta y cascarrabias que regenta una ferretería; meticuloso, rutinario, gris y nostálgico. Un cazador de momentos imposibles, de ironías perversas. De chistes helados contados por la providencia. Un tipo normal y corriente. Solo y solitario. Flagelado por su propia melancolía. Un observador lejano de casualidades que acaba siendo el centro sobre el que pivote una: un muchacho chino que, por obra y milagro de una carambola del destino, acaba con sus huesos instalados en la vida monótona de este ferretero.

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El terror cuesta

No es fácil hacer cine de terror. Un puñado de temas recurrentes y la facilidad para caer en ridículos patinazos son amenazas reales para cualquier cineasta que quiera atreverse con el género. Hace siete años, el tándem australiano Wan-Whannell perpetró una gamberra y sofisticadamente sucia renovación del subgénero de serial killer con la primera entrega de Saw. Aquella película resultó ser un bofetazo de frescura, y maravilló a propios y extraños con su espectacular arranque y su aplastante final, aunque director y guionista demostraron su inexperiencia en un tramo central tan aburrido como abrupto en la narración.

Poco han aprendido estos chicos en todos estos años. Aunque llegan más hábiles. Con Insidious se cambian de campo, y aún dentro de la parcela del terror, se adentran en el terreno de la casa encantada, aunque con unos toques que, como en la macabra saga de Saw, introduce elementos ciertamente originales y certeros. El problema, no obstante, vuelve a estar en la dispersión y la obsesión de ambos por no ajustarse a unas normas que, si bien funcionan para los grandes maestros (De Palma, Polanski), estos chicos rechazan con el soberbio ímpetu de una juventud que ya se les debería haber pasado.

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Así, sí.

Woody Allen regresa después de años descalabrando su filmografía con errores como El sueño de Casandra, agridulces entremeses como Conocerás al hombre de tus sueños, o la pura prostitución de su sello en Vicky, Cristina, Barcelona. En los estertores de su etapa europea, Medianoche en París cierra el tríptico en tres batidas dedicado al Viejo Continente que ya iniciara con la sublime Match Point. Y de hecho, el broche de esta última película sirve para completar un círculo más que irregular.

En Medianoche en París hace lo que mejor sabe hacer: puro exhibicionismo. Allen se abre el batín y muestra al espectador su desnudo más cándido y amable, aunque sincero y mitómano. Muy mitómano. Y en la tradición de La rosa púrpura del Cairo, provoca una avería en la realidad para guisar un menú elaborado con comedia, romanticismo e, incluso, unas briznas de género fantástico, que sirven para reencontrarse, a través de su necesario alter ego, con algunos de los referentes inexcusables de su mundo interior.

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Thor. Hijo de Odín. Dios del Trueno. Aunque por obra y milagro de Kenneth Branagh, así como por la imperiosa necesidad de presentar a los personajes de la obra magna de la Marvel cinematográfica (Los Vengadores), la rubicunda deidad nórdica ha devenido en dios del truño. Al menos, en esta última versión en celuloide. Mucho se habló de la posible injerencia shakesperiana que podría imprimir el actor y director irlandés, aunque al final la supuesta carga dramática que iba a recibir esta historia ha quedado en agua de borrajas.

Muy por el contrario, este Thor ha acabado desinflándose en una suerte de pastiche a medio camino entre los Power Rangers y Master of the Universe (descuida: ambas en sus versiones para gran pantalla… que no sé si sirve como excusa), tanto en diseño de producción, historia y esquema argumental. Y por si fuera poco, toda esta ensalada acaba regada con el maltrecho aceite de un guión que consigue lo imposible: intérpretes de la talla de Anthony Hopkins, Natalie Portman o Stellan Skarsgard regalando a la platea algunos de los momentos más vergonzosos de sus lustrosas carreras.

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Wes Craven chochea. Y Kevin Williamson no tiene reparos en aprovecharse de esta vieja gloria. Y decir gloria es casi pitorreo. Como la otrora estrella del rock que lanza un Greatest Hits, esta película, Scream 4, es la confirmación del estéril músculo creativo de director y guionista.

Tal es así que desde el exasperante prólogo de la película, reincidiendo en el truco para principiantes de autorreferenciarse en una muy cansina espiral de metalenguaje, la reactivación de esta saga para adolescentes deja clara una cosa: estamos ante un film para lerdos con ínfulas intelectualoides. A imagen y semejanza de Kevin Williamson.

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Desde la machacona premisa de que no aprovechamos el 100% de nuestro potencial cerebral (por algo será, dicho de paso), Sin límites propone el relato agridulce de un tipo que desde las alcantarillas de la mediocridad alcanza el Monte Olimpo de la excelencia. Edward Morra es un escritor que no escribe. Un tipo con potencial desperdiciado que, a punto de arrojarse al abismo (su novia le deja, le acosan las deudas, le devora el caos), es rescatado por un pastillita que le abre las puertas de la percepción.

A partir de ese momento, Morra se convierte en puro sentido arácnido. Desarrolla una serie de superpoderes que le convierten en una especie de Sherlock Holmes de la era digital, cuyo único misterio por desentrañar es cómo mejorará su vida en el siguiente peldaño. Su mente se hace hipersensible, cifrando su cociente intelectual en un número de cuatro cifras, como él mismo reconoce en un prólogo que confirma lo que veremos durante el resto del metraje: lo que hubiese sido El Club de la Lucha si sustituyésemos al carismático Tyler Durden por un no menos magnético Gordon Gecko hasta el culo de focusín.

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Poco invento hay en esto de ser invadidos por alienígenas. Con notables excepciones, en las que los extraterrestres son más de naturaleza terráquea que sideral, la producción de una peli que escenifique el asedio de naves del espacio exterior va aparejada a una sola cosa: fabricar dólares en forma de entradas y palomitas.

Esta mal llamada Invasión a la Tierra no es para menos. Originalmente titulada Batalla en Los Ángeles (mucho más preciso, dado en lo que acaba deviniendo la cinta), estamos ante una historia más cercana al cine bélico que a la ciencia-ficción. Hay pocas pelas para tanto espectáculo, de modo que la acción se traslada a dos campos de batalla: una ruinosa ciudad de Los Ángeles, con decorados formados, básicamente, por piedra humeante, y la atormentada conciencia de un sargento de Marines que elige un mal día para presentar su dimisión.

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Tengo debilidad por el subgénero de exorcismos. Y ya ves tú qué cosa. Las buenas referencias en este campo son tan escasas como anecdóticas (con El Exorcista a la cabeza, la gran película de William Friedkin que acabó por desvirtuarse a fuerza de bromas y charangas radiofónicas). No obstante, al igual que la mayoría de los protagonistas de estos films, siempre ando sobre la delgada hoja de la navaja, ante la fe de que la siguiente peli que vea, será otra gran película. Y siempre me equivoco.

Con El Rito estaba en la expectativa de que sería esa excepción que confirmase la regla. Una película con buena factura y madurez que contase una buena historia. Pero nada de eso. Parece que guionistas y directores no tienen intención de darle una vuelta de tuerca al subgénero, y en esta obra, el tema vuelve a ser la crisis de fe, manifestada sobre el eje del escepticismo. Eso, y situaciones programadas que poco convencen a quien busque algo de naturalidad en el devenir de los acontecimientos a los que asistimos durante casi un par de horas.

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Ángel Salas, director del Festival de Cine Fantástico de Sitges se sentará en el banquillo, donde tendrá que hacer frente a una acusación por un delito de difusión de pornografía infantil. No es que haya filmado una película en la que se abuse de menores. Su pecado ha sido exhibir una cinta, A serbian film, en el marco de la última edición del festival que coordina en la localidad catalana.

Así de sencillo. En un país donde la libertad de expresión pasa por Comisiones de Propiedad Intelectual compuestas a dedo por cabecillas del Ministerio de Cultura, no es de extrañar que se impute al director de un festival de cine (de cine fantástico, ojo, que ahora retomaremos el tema) por poner en la programación del certamen una película que, más allá del mal gusto que cada espectador debería ser libre de valorar, contienen escenas susceptibles de herir sensibilidades.

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