El Piloto Automático

Parece que finalmente David Fincher no se subirá al carro de Star Wars VII. El director norteamericano ha confirmado a la revista Variety que ya trabaja en la segunda parte de El club de la lucha. La película, cuyo argumento transcurrirá siete años después de los acontecimientos descritos en la película que protagonizaban Brad Pitt y Edward Norton, ya ha recibido el título provisional de Todavía te calzo otra, y la acción pasará de Los Ángeles a Zahara de los Atunes.

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Soy usuario de eBay desde hace muchos años.

No recuerdo desde cuándo. Mi primer periodo de actividad intensa fue en verano de 2004, por razones que no vienen al caso. He comprado mucho a través de este portal de subastas, y en ocasiones también he aprovechado para deshacerme de algún artículo que, bien cogía polvo en el armario, bien me podía suponer una pingüe ganancia que en ese momento me resultara más importante que el uso que pudiera darle al producto en sí.

El caso que voy a contaros está a medio camino de ambas situaciones. Desde hace un par de meses traté de darle salida a un lote compuesto por una Xbox 360 Slim con disco duro integrado de 250 GB, así como más de una veintena de juegos, un cable HDMI de alta calidad y una unidad Kinect. ¿La razón de la venta? Falta de uso, principalmente. Cuento con una PlayStation 3 con chorrotocientos juegos que, por otro lado, no tengo tiempo de disfrutar. Tal es así que desde que me mudé hace unos meses, el lote descrito no salió de una caja convenientemente acomodada en el armario. Antes de ese momento se limitó a reposar en el aparador de salón viendo la vida pasar sin que nadie la encendiera más que para darle un poco de sana actividad que evitase su anquilosamiento.

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Amelié en el país de las maravillas

Jean Pierre Jeunet tomó con Amelié cicuta que olía a canela. La potencia visual de su imaginario fílmico se ponía por primera vez a disposición de un terreno alejado de la fantasía onírica de Delicatessen o La ciudad de los niños perdidos, así como de la fábula de terror de Alien Resurrección, trasladando su peculiar universo naïf a un París contemporáneo que se convirtió en el semillero del que emanaría un ejército de modernas y lacerantes reivindicadoras de una imagen original que habría de repetirse hasta la náusea.

Hasta la pelotas acabamos muchos del fatigante corte de pelo de la dulce Amelié Poulain; hasta las narices de la cara de imbécil que blandía como acero templado Audrey Tautou —aún hoy, esos morritos de pato caricato sostienen la fuerza dramática de la sosita gala—. Y ni hablamos del score escrito por el compositor que hizo del acordeón el sonido de Satanás, el inefable Yann Tiersen, una partitura que fue tan chisposa y resultona en sus primeros compases ante oídos vírgenes como irritante ante la enésima reproducción en el hilo musical de teterías de aburrido espíritu urbano.

Pero no hemos venido a hablar de Amelié, sino de Jeunet, un señor que a pesar de haberse malogrado, supo recoger y actualizar el legado de un tipo de cine germinal que hunde sus raíces en la magia de Meliés y que, de algún modo, infecta a la primera incursión de los viñetistas Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud, Pollo con ciruelas, en el terreno del cine no-animado —que no inanimado—. Salvando las distancias del que para muchos es un título tan erróneo como dispuesto a la charanga —Pollo con almendras, Sopa de pollo, y otros más soeces que puedes ejecutar con corta y pega reflexivo—, la entrada de este tándem de dibujantes en la imagen real —¿imagen real?— ha resultado tan estimulante como sorprendente, a pesar de una serie de excesos que requieren de un figurado omeprazol con el que mitigar la ardentía que puede provocar el carrusel al que invitan a montar los directores y guionistas de la película.

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Otra precuela

A pesar de lo estimulante que fue saber que Ridley Scott regresaba al universo Alien, la idea de una precuela inscrita en esta fragmentada franquicia no podía sino acogerse con un cierto desánimo. El anuncio contaba con un par de poderosos aliados, a saber: la explicación de una serie de claves inconclusas que quedaron sepultadas bajo el peso del xenomorfo —el bicharraco, en adelante— y el impulso de una cierta tesis trascendental, que de algún modo estaba presente en la tercera entrega de la saga.

En este sentido, Prometheus no decepciona. Scott vuelve a hacerse con las riendas de la ciencia-ficción en su versión más reflexiva, aunque sin darle la espalda a un espectáculo pulcro y medido; quirúrgico y frío. No estamos ante una revisión de las tesis de Blade Runner —si algún día el director inglés pretendió reeditar aquella obra maestra con esta precuela de Alien alguien debió devolverle a la realidad—, aunque quizás, siendo generosos, podríamos entender esta película como una especie de anexo accidental a los planteamientos manejados en aquella joya de 1982.

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¿Y por qué no puedo tener altas expectativas?

Eso pensaba antes de ver The Dark Knight Rises. La gente aludía a las grandes esperanzas que depositaba en el tercer Batman de Nolan, y advertían de una posible decepción. También eran altas las expectativas que tenía con Origen, y aquel artefacto palomitero me puso las bragas del revés. No sé porqué no podía pensar que The Dark Knight Rises sería, como poco, un pepinazo a la altura de lo que exige un blockbuster que se toma en serio su labor.

De hecho, no creo que hayan sido esas altas expectativas las que me hacen pensar que The Dark Knight Rises es una película mediocre. Creo que el problema reside en otros lugares, a saber: el desmesurado amor propio de los hermanos Nolan, la intención de construir una titánica máquina sin combustible y, ante todo, el escaso pudor que demuestra un guión que vive de las rentas de dos sobresalientes entregas anteriores y se limita a avanzar sin justificar los pasos precedentes.

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No es un remake, es un reboot

O el reboot es el nuevo remake. O precuela. O cosa. O forma de maquillar los excesos en la yerma bipolaridad creativa de la industria comercial de Hollywood, que lo mismo te casca un X-Men First Class que cuela un The amazing Spider-Man. El fordismo llevado al cine es la suscripción de una franquicia que, como la superficie de un colchón deformado por la presión de un obeso, no ve más solución en la supervivencia de la fórmula que darle la vuelta al maltrecho problema, esperando que nadie se dé cuenta. Y ahí está el quid: que unos se dan cuenta, otros pasan de largo y todos acaban por picar el anzuelo.

The amazing Spider-Man es el canto del cisne de este escandaloso villarato. Sony se puso las botas con la trilogía que corrió de la cuenta de Sam Raimi. El público disfrutó. La multinacional disfrutó. Marvel también gozó un poquito. Todos contentos. Pues no. Aún hay muchas peras que arrancar del olmo, y hete aquí que tenemos un reinicio de la saga que explota una ¿nueva? faceta de la serie, apostando por un aire más adolescente y acercando la filosofía del personaje a la idiosincrasia de un espectador algo más apollardado por redes sociales, estímulos digitales y estética Sunny Delight. Y claro. Luego pasa lo que pasa.

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Si no me falla la memoria, la idea de hacer un gazpacho cargadito de superhéroes parte de Iron Man, es decir, del año 2008. Ya entonces empiezan a conjugarse todos los ingredientes que, año tras año, han venido funcionando como precuelas episódicas de Los Vengadores, adaptación de una de las líneas best of the best del sello Marvel. En cuando la editora de tebeos se hizo con su propia firma cinematográfica y pudo adquirir los derechos de explotación de los personajes que integran su troupè para el celuloide, se puso manos a la obra. Así, lo que se anticipaba como un proyecto patente aunque aún nebuloso en la primera aventura de Tony Stark acabó componiendo un retal de personajes, cada uno con su propio universo, cuyas vías convergían en este menú explosivo.

Pasemos revista. Con las dos entregas de Iron Man empezamos a conocer a los personajes que servirán de enlaces para cada una de las entregas previas a Los Vengadores. Nick Furia y el Agente Coulson participan en todas las fiestas, pero no será hasta Thor y Capitán América cuando comience a dársele continuidad al relato precedente, introduciendo dos elementos fundamentales en el argumento de Los Vengadores: el tesaracto —o cubo cósmico— y el dios Loki. Un par de adaptaciones de Hulk pululan entremedio. Una vez puestas todas las cartas sobre la mesa, la intención de la película es, por un lado, justificar la cohesión de esta bomba de relojería, como define el doctor Bruce Banner AKA Hulk al grupo; por otro, desarrollar una trama en la que la evolución entre los distintos personajes case con el aguacero de acción al servicio del espectáculo que requiere un menú King Size de este calibre.

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Es difícil conciliar la idea de una obra artística —en cualquiera de sus manifestaciones— de compleja arquitectura que, al mismo tiempo, satisfaga el buche de una audiencia mayoritaria que tenga que esforzarse a regañadientes en descodificarla. Es realmente difícil. Esta premisa se convierte en una tesis de trabajo que respalda la holgazanería de quien, ante un bombazo de taquilla como Intocable, se limita a exiliar la posible calidad de una cinta como la que han dirigido a cuatro manos los franceses Eric Toledano y Olivier Nakache.

Y que no se me entienda mal. Intocable tiene truco. Tras generosas capaz del maquillaje que administra su guión, que sigue a pies juntillas toda las estrategias de cualquier manual de escritura cinematográfica, el artefacto se desvela escuálido y carente de todo el peso que podría haber propuesto. Pero es injusto cuestionar una película como esta desde un prisma que trascienda el puro academicismo comercial. Y es que Intocable es, ante todo, una escalera de color que le hace la industria francesa a una cartelera que abusa de los CGI y de los códigos culturales que llegan facturados de importación a las salas de cine europeas —¡¡¡y que se coloca en el puesto 120 de la IMDb con una puntuación de 8,4!!!—.

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George Clooney es un hombre con una cierta conciencia política. O al menos, eso se esfuerza en subrayar públicamente. Su visión no es edulcorada ni optimista. Y en Los idus de marzo vomita toda la bilis que puede que lleve años almacenándose en los conductos gástricos de su cinefilia. Eso sí, que no falte institucionalismo en fondo y forma. Ya desde el comienzo mismo de la cinta deja claro el amor que profesa el cano guaperas cafetero por el thriller político setentero. Diríase que Los idus de marzo es una carta de amor adolescente al mejor Pakula, con algún que otro arquetipo directamente importado desde aquella forma de hacer cine comercial, en la que al espectador se le presuponía algo de inteligencia.

Toda la primera mitad de la cinta traza el retrato del idealismo, silueteado dentro de las formas de un Ryan Gosling que una vez más demuestra que lo suyo es ser un jamón de pata negra, cinco jotas y cortado en delgadísimas lonchas. En torno al joven responsable de comunicación de la campaña del políticamente apolíneo Mike Morris —¿ha trasladado Clooney a Harrison Ford como el ideal de presidente norteamericano?— una camarilla personajes pululan circundando la pureza del héroe trágico: el sabio y venenoso director de campaña, el adulador y sibilino tentador que representa a la otra parte, la periodista que esconde a una carroñera tras la piel de la inocencia y, cómo no, la becaria zumbona que pondrá todo patas arriba. Como telón de fondo, uno de los escenarios del cainismo de occidente: unas primarias demócratas en Estados Unidos.

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En apenas cinco años, Rodrigo Cortés lo ha petado. Fue entonces cuando se estrenó Concursante, su esperada opera prima, con la que saltaba al largometraje tras una muy laureada trayectoria como cortometrajista. 15 Días fue la pequeña gran película que más aplausos le valió hasta el momento. Y bien merecidos además. Un pequeño experimento destinado al lucimiento y a la morbosa atención del circuito internacional puso su nombre en boca de propios y extraños. La película era Buried, una obrita equipada con la misma pólvora mojada que esta Luces Rojas.

Ahora, por lo menos, Cortés se libera de la impostura de los ejercicios de estilo que quiso proyectar con aquella pirotécnica intriga funeraria. Luces Rojas no le tiene miedo a los convencionalismos, y en ese sentido, se agradece que el hombre orquesta –porque Rodrigo Cortés dirige, escribe, edita, pinta y colorea, como diría Cristina Domínguez– salga a la plaza a pecho descubierto, dispuesto a dar capotazos defendiéndose únicamente con el estoque que blande en forma de dirección y guión. Bueno, sí. Y montaje.

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